I vårt bild-som drivs sociala medier eran, vissa fotografer är rädd för framtiden av art, medan andra är galvaniserat med det. Eftersom tekniken i allt högre grad formar hur vi ser på och dela med världen, hur är fotografering förändras på ett svar?
Sun 14 Oct 2018 10.00 BST
Från Instagram flöden av simonewhitemusic, solitudeofravens, photosobscura, spacesarchives, billyparrott och activistnyc.
Foto: Instagram
Under 2012 skrev jag en essä om den skiftande karaktären av fotografi i en tid av aldrig tidigare skådad bild överbelastning. Då, Facebook-användarna enbart ladda upp 300m fotografier en dag, medan antalet bilder som publiceras på Flickr och Instagram hade överskridit 11 miljarder mark. Jag citerade den Amerikanska konstnären och författaren Chris Wiley, vars 2011 artikel, “Djup i fokus”, i Frieze magazine, hade uttryckt oro för många utövare om “en värld grundligt mediatised av och glutted med den fotografiska bilden och dess digitala dubbelgångare”.
Wiley ‘ s slutsats var pessimistisk: “Som ett resultat, möjligheten att göra ett fotografi som kan satsa anspråk på originalitet eller påverka har varit att radikalt ifrågasätta. Ironiskt nog, de ögonblick av största fotografiska plentitude har drivit fotografering till den grad av utmattning.”
Sedan dess har siffrorna blivit ännu mer häpnadsväckande: 350 fotografier en dag laddas upp på Facebook; 95 miljoner fotografier och videor delat på Instagram dagligen. Det sammanlagda antalet bilder delas upp på båda plattformarna nu överstiger 290bn, medan det finns 188 msek dagliga aktiva användare av Snapchat.
Om man bortser för en stund oro kring fotografi sin mening i sociala medier ålder, man skulle kunna argumentera detta bevis för att det är det medium i vår tid, inte bara att definiera vår globalt ansluten digital bild kultur, men driver det. Även för tio år sedan, ingen kunde ha förutspått den omvälvande förändring som har skett i vår relation med – och-använda – den fotografiska bilden. Tillbaka på 2012, den oro som många fotografer har en tendens att konvergera kring begreppet äkthet: skulle den digitala tekniken underminerar hantverk av analog fotografering, och mer oroande, sanningshalten? Skulle den osynliga handen av Photoshop gör inte bara processen, men den så kallade “sanningen” om fotografi, föråldrade?
Musiker Simone White stilleben fotografier som kan ses på hennes Instagram-feed, @simonewhitemusic. Foto: simonewhitemusic/Instagram
Ankomsten av smartphone kamera gjort alla dessa farhågor verkar föråldrad. Det fälls ut en ny bild kultur i vilken fotografier-har fått en ny betydelse i våra digitalt medierade världen, särskilt utbyte av fotografier på plattformar som Instagram, där de mäts i gillningar, kommentarer och repostings, allt övervakas av algoritmer. Fotografering speglar, register och gör reklam för vårt liv på nätet. Är det, dock, ansträngande sig genom sin utbredning, förlorar sin mening i en ålder av nästan ofattbara bild överbelastning?
Den ytliga tyder på något annat. Under det senaste decenniet eller så, det har varit en åtföljande ökning av intresse i vad man kan kalla traditionell fotografering kultur. Även om Brittisk konst institutioner var pinsamt sent inser vikten av fotografering curation – Tate utsett sin första fotografering curator under 2009, nästan 70 år efter Museum of Modern Art i New York gjorde så gallerier är nu slutligen enligt medellång det utrymme det förtjänar som en konstform. Den nya fotografi flygeln av Victoria and Albert museum har precis öppnat, och nästa vår, den svenska organisationen Fotografiska museet kommer att öppna en 8,300 kvm (89 000 ft) utrymme i Whitechapel och annat stort galleri i New York, både dedikerade till samtida fotografi.
Under de senaste åren, fotografering festivaler och mässor har vuxit upp över hela världen, utmanande de kommersiella gallerierna i stora etablerade evenemang såsom Paris Photo och den årliga Rencontres d på den Höjden. I September ensam, Osedd Amsterdam och BredaPhoto hölls i Nederländerna, Bilder Vevey i Schweiz, Orgel Vida i Kroatien, och närmare hem, Guernsey photography festival och Brighton foto vartannat år. Det är mer fotografering festivaler i en månad än det brukade vara i ett år.
De senaste decennierna har också sett fotobok framstår som den kanske mest levande avgörandet av fotografering kultur. Små, oberoende fotobok förlag föröka sig, pop-up evenemang runt om indie fotoböcker och zines dra en ung och informerade publiken. Offprint, fotografering publicering mässan, lockar stora, främst yngre publik årligen till sin bok marknader i Paris och London. Flyger i ansiktet för att stoppa flödet av digitala bilder online, traditionellt fotografi kultur håller ut och sprider sig med både fotobok och bildarkiv – materiella ting som kan hanteras, bläddrat över, samlas in, bytas ut – förutsatt en ökad betydelse.
En bild från Billy Parrott ‘ s Instagram-flöde av bilder. Foto: billyparrott/Instagram
Men vad för själva fotograferingen? Inför en aldrig tidigare skådad flödet av digitala bilder, har en fråga om den traditionella status av fotografi som ett sätt att dokumentera världen har ändrats oåterkalleligt. Vart dokumentär i post-sanningen-eran? Eller porträtt i en tid när selfie har minskat den traditionella idén om självporträtt till en avslappnad narcissistisk reflex (282 selfies var postat på Instagram 2016)? Och vilken roll spelar reportage spelar nu i en tid när den smartphone som har gjort oss alla potentiella medborgare (foto)journalister?
Den sista frågan är särskilt bra när man tänker efter händelsen och dess omedelbara efterdyningarna: den 20 juni 2009, 26-åriga Neda Agha-Soltan blev skjuten av en pro-regeringen sniper nära scenen av en protest mot den Iranska regeringen. Den Iranska staten hade förklarats olaglig protest och förbjöd utländska medier från att täcka det. Men bilden av Agha-Soltan blod-strimmiga ansikte när hon låg för döden var tagna på mobiltelefoner runt omkring henne, och inom några minuter, gick viral. Inom några timmar, bilder från hennes död postat anonymt på YouTube sågs av den Amerikanska presidenten. I en värld där vi alla har möjlighet att uppfylla rollen som bär vittne om att en gång föll för fotojournalister hur kan traditionella reportage tävla?
Den oro som Wiley identifierade konvergera kring inte bara status, men innebörden, av fotografi i en digital värld drunkna i bilder. Som jag konstaterade i 2012, men “Ingen mängd av kameran teknik kommer att förvandla en medioker fotograf i en stor en, eller, i begreppsliga termer, kommer det att förvandla en bra idé till en bra en. För att du fortfarande skulle behöva ha en sällsynt uppsättning av kreativa gåvor som finns att göra med att se, med djupa titta”. Jag undrar nu om det fortfarande är fallet. Kanske vår relation med de fotografier, som så länge varit standard of excellence och konstnärskap – är att ändra i en värld där så många bilder flyta unmoored från sitt sammanhang.
Som för att illustrera detta, en av de mest fängslande delar av arbetet som jag såg förra året var en installation av den Indiska fotograf Sohrab Hura, Förlorade Huvudet och Fågel, har visat på en snabbspolad projektion i ett mörklagt, halvt förfallna utrymme i Peckham. Det var en dramatisk sammanslagning av det verkliga och det möjligtvis påhittade, en ström av inre bilder av livet på marginaler i Indien som hade en nästan hallucinatoriska intensitet. Här är alla trötta tropes av street photography var välta i en visuell ström av nästan subliminala bilder som stöts till betraktaren – den traditionella, omformaterad och vitaliserad.
I motsats, en annan anmärkningsvärd serie jag först såg förra året var Ex-Voto av engelsk fotograf Alys Tomlinson, som består av svart och vitt porträtt och landskap för moderna pilgrimer och heliga platser i Frankrike, Polen och Irland. (Det har sedan dess vunnit Tomlinson 2018 Sony world photography award.) Med hjälp av film, hennes arbete bygger på den enkla porträtt av August Sander och den mänskliga annorlunda fångas upp av Diane Arbus. I sin fortfarande, spartanska stil, det är den perfekta sammanslagningen av form och föremål, som bekräftar en tradition av hantverk och uppmärksamhet.
Ett utdrag från en sällsynt, oftast Japansk fotobok samling på Instagram feed @solitudeofravens. Foto: Courtesy: Instagram / solitudeofravens/Artighet: Instagram/solitudeofravens
Allt, men, samtida fotografi handlar om, för att låna en term älskade av akademiker och curatorer, “förhör medium”, vilket ofta innebär att flytta det bort från dokumentär till andra, mer konceptuellt driven konstformer – abstrakt måleri, skulptur, performance, video-installation. För detta ändamål, yngre fotografer som Daisuke Yokota och Maya Rochat, som båda ingår i Tate Modern: s senaste utställningen, i Form av Ljus: 100 År av Fotografi och Abstrakt Konst, göra arbete som, på en nivå, en dynamisk spegling av det dilemma i den samtida fotograf i en ålder av bilden överbelastning. Yokota, till exempel, har behandlat bilder med värme och järnpulver, och utsätts för andra att konstant rephotographing, att genomsökas igen och omtryck. Resultaten är närmare till abstraktion och att idén om att fotografering som ett medium som helt enkelt poster världen omkring oss verkar positivt pittoreska.
En blick på de olika processer som ligger till grund för samtida fotografi praktiken intygar att det faktum att mediet är nu performance, skulptur, abstraktion, dekonstruktion och dagbok så mycket som det är en dokumentär. Inget av detta är helt nytt.
Det är värt att komma ihåg att även om vår samtida bilden kultur utan motstycke i termer av dess omfattning och dess oändliga flöde, det var annat nu när tekniken lett till en ökning i folkmun bildskapande. Tillbaka i början av 1960-talet, framsteg i analog fotografisk teknik tog nästan-instant fotografi i händerna på miljontals amatör Amerikanska snappers genom Polaroid kamera. 1960, hade försäljningen nått 100 miljoner per år. Av 1964, 5m Polaroid kameror hade producerats. Spridning av Polaroid bilder markerade den första vågen av demokratiska fotografering, men det gjorde det inte, såvitt jag vet, framkalla en kollektiv ångest i en omvälvande generation av fotografer – inklusive Arbus och Garry Winogrand – som skulle komma av ålder på den tiden.
Vad Polaroid gjorde, dock var informera bilden av en efterföljande generation, som snapshot-estetik både Stephen Shore och William Eggleston, där det till synes vardagliga och informella var faktiskt formellt strikt och djupt observerats. Andy Warhol, har också instinktivt förstått demokratiska makt Polaroid, som hans fotografiska porträtt intyga. För honom, medellång – och Polaroids av hans kändis vänner eller sig själv – var mycket meddelandet, inte bara upplyftande och fira den underbara banalitet vardagliga Amerika i alla dess ytliga glamour, men att kapsla in det. Kanske är det värt att titta på smartphone-kamera – och sociala medier – på detta sätt: hur kommer de att påverka en hel generation av bild-beslutsfattare att komma?
Vinnare av Photobox Instagram Photography Awards – i bilder
Läs mer
Även om vissa inflytelserika fotografer som Eggleston och Stranden hade alltid insisterat på att den i huvudsak demokratiska aspekterna av deras strategi, smartphone kamera har redan gjort fotografering demokratiska på ett sätt som ingen kunde ha förutspått. Det placeras kompakt, ultra hi-tech, relativt billiga bild-gör maskiner i händerna på många, inte för få. Vad de gjorde med det har redan revolutionerat inte bara sättet vi använder fotografering, men sättet som vi kan se – och-dela – den världen omkring oss.
Stranden är numera en förespråkare och ivrig användare av Instagram, som han har beskrivit som “ett nytt distributionssätt och nya kommunikationsmedel [som] öppnar möjligheter som inte funnits tidigare”. Hans Instagram bilder ingick i en retrospektiv han hade på MoMA i och med 2017. Som många andra fotografer och konstnärer, han uppskattar vad han kallar den “lekfulla” typ av Instagram inlägg – “den typ av lekfullhet som jag gillade i [fotobok form], att jag kunde prova en idé för en dag och utforska det”. För honom, sade han till Tate 2015, Instagram är också en plattform som “firar bilder som är diaristic, som är korta blickar, som är visuella anteckningar, som är one-liners. Det accepterar komplexitet, men inte kräver det.” Instagram passar Shore hållning, observation och dokumentation av vardagen Amerika, medan det “community” som han finner det verkar i samklang med sin vision: “jag finner det mycket tillfredsställande att de är en grupp människor som tittar på varandras arbete varje dag, och de är alla över hela världen.”
Den diaristic typ av Instagram verkar avgörande här, så att fotografer att prova idéer, dokument i arbete eller helt enkelt varna människor för vad de är upp till i form av böcker, utställningar och föredrag. Intressant, men, den yngre Amerikansk dokumentär fotograf Alec Soth är mindre entusiastiska använda Instagram som en plattform för sitt arbete. “När Instagram började, jag var motståndare till att använda det”, säger han. “Jag var ett fan av Tumblr – jag hittade den mer flexibel och öppen och mindre benägna att “gilla” nöd på Instagram. Jag också tyckte de filter som, i början, var den stora dragningen till plattformen.”
Det var endast efter att en av hans assistenter föreslog Instagram kan vara lämpligt för att främja hans indie-bok förlag, Liten Brun Svamp, som Soth bestämde mig för att ge det en chans. “I det ögonblick jag började använda Instagram, var jag fast, säger han. Han hade fallit offer för den “” som “nöd”. “Så småningom”, säger han, “jag bara fallit för flödet som alla andra [och] jag har tappat så mycket intresse i plattformen på sistone.”
Soth medger att Instagram kan vara ett kreativt verktyg – “en plats för mig att experimentera med en publik” – men befarar att “en stor del av tiden är det inte mycket mer än ett varumärke verktyg”. Han är misstänkt för, av dess effekt på vår förståelse och uppskattning av fotografi. “Jag tror inte att jag någonsin har flyttats på det sätt som jag har med en stor konst, film eller roman. Istället plattformen ger mig lite pellets av njutning. Jag antar att det är vad jag tycker om det också – det beroendeframkallande kvaliteten på dessa pellets sällan uppfyller.”
För allt som jag har hittat Instagram för att vara en grogrund för upptäckt. Bland mina favorit-flöden Simone White (@simonewhitemusic) som skapar vackra stilleben i naturligt ljus, fotografi samling av Billy Parrott (@billyparrott), den extra Japansk fotobok insamling @solitudeofravens, och @spacearchives, ett flöde om offentlig konst miljöer.
Bland mer etablerade konstnärer, Cindy Sherman är, kanske föga förvånande, en vägvisare, som använder Instagram briljant som en förlängning av sin praktik.
Joan Didion förklarade en gång: “Vi berättar för oss själva berättelser för att leva.” Instagram är naturligtvis också ett sätt att berätta historier – eller skapa berättande – om oss själva. För sent, samtida fotografi har blivit en nexus för visuellt berättande av en ofta stiliserade, metaforiska eller semi-fiktiv karaktär.
I och med 2014, Argentinska konstnären Amalia Ulman skapat en Instagram-flöde som ett konstverk i sig, skapa en fiktiv persona som en Los Angeles “it girl”, och lever det ut för tre månader genom att posera för selfies i trendiga restauranger, designbutiker, internationella flygplatser och lyxhotell hotell lobbygrupper. Efter att ha identifierat tre sociala medier arketyper av privilegierade kvinnlighet – “söt flicka”, “sugar babe” och “livets gudinna” – hon fotograferade sig själv i underkläder, på pole-dancing klasser, och att äta ute med en liten, söt designer hund i knät. Ulman projekt oundvikligen utlöste en våg av online ilska och upprördhet när hon avslöjade att hon var en konstnär. Hennes verk var inte bara en kritik av sociala medier arketyper av glamour och framgång, men en undersökning av hur lätt “prenumeranter” kan vara hänförd och manipuleras av den samma. Vid sitt hjärta, som också var en komplex dynamisk: hur fotografi kan ligga att avslöja en djupare sanning.
Följande år, livet oundvikligen imiterade konst, när media rapporterade att Instagram stjärniga Essena O ‘ Neill, en Australisk tonåring med en halv miljon anhängare, hade bort hennes konto. Hon beskrev det som “ett krystat perfektion gjorde för att få uppmärksamhet”. Hon pekade på att det ställde selfies som hjälpte henne att göra en inkomst från marknadsföring av produkter till hennes anhängare, och talade om att all tidskrävande karaktär av ett liv levt på – och förslavat – till sociala medier. Hon ställde selfies – så iscensatt som verkar uppenbarligen performativa – trots att fascineras av hennes anhängare till den punkt där även de mest uppenbara produktplacering verkade osynlig, eller helt enkelt acceptabelt. Igen, hon, som Ulman, var kritik av dem som hon hade till synes förrådd. Kraften av fotografering som ett verktyg för fantasy och/eller massa villfarelse är inte ny – reklambranschen var byggd på det – men nu verkar så stark och så utbredd att vara störande.
I och med 2014, Argentinska konstnären Amalia Ulman skapat en Instagram-flöde poserar som en “it-girl” för tre månader. Foto: amaliaulman / Instagram
Nästa månad, den Fotografers Gallery i London är värd för en utställning med titeln, Allt jag Vet Är Vad som finns på Internet. Det kommer att innehålla den “samtida konstnärer som söker till karta, visualisera och fråga den kulturella dynamiken i det 21: a århundradet photography” i sociala medier ålder. För detta ändamål kommer det att “förhöra” inte bara rollen och byrån fotografen i detta nya sammanhang, men “fotografi är kulturellt värde… i en tid när gränserna mellan sanning och fiktion, maskinen och de mänskliga alltmer ifrågasättas”.
Det kommer att innehålla verk av fängslande namngiven Konstant Dullaart, vars 2014-projektet, Hög Retention, Långsam Leverans, riktade vad han kallade “den moderna uppmärksamhet ekonomi” av Instagram, Facebook och Twitter, “dela mekanismer” som – likes, retweets, anhängare, vänner – stimulera “en uppskattning system baserat på popularitet över kvalitet och social kompetens över talang”.
Få bilden: den Instagram-konton att posta samma bild varje dag
Läs mer
Dullaart arbete handlar om vad han kallar “den kapitalisering av gemenskap”. I allt detta, Wiley är ångest om skapandet av ett nytt foto “som kan satsa anspråk på originalitet eller påverka” är fortfarande bra. Men det är också gnistor en skötare fråga, vilket inte är så mycket vad sociala medier gör att fotografering, men vad en bild som drivs av sociala medier kulturen gör med oss? Där är vår byrå i en värld som domineras så och drivs av digital teknik, så kontrolleras av globala koncerner och osynliga algoritmer?
Ett svar är att det är enkelt att förbereda oss för nästa omvälvande förändring i teknik: artificiell intelligens. Även om du kanske inte har märkt det, AI är redan överallt, inte mer så än i fotografi teknik. Som Wired magazine rapporterade nyligen, den senaste Apple-telefoner “komma med nya chip-teknik [att]… kan den nya enheter att erbjuda slicker kameran effekter och augmented reality-upplevelser”. Det är den senare fasen, i alla dess sci-fi techno-tala, som förebådar framtiden för smartphone kamera teknik.
I februari detta år, forskare från Alfabetet Inc: s DeepMind division släppt miniatyrbilder av en rad vardagliga ämnen: en hund, en fjäril, en hamburgare och en havsutsikt. Alla var AI-genererade bilder som tillverkas från grunden av en algoritm som kallas BiGAN. Alla ser oroväckande likt riktiga fotografier. Förr än vi tror, kommer det att vara omöjligt för det mänskliga ögat för att avgöra skillnaden mellan en AI-genererade bilden och en riktig bild. Framtiden är redan här och fotografering är den medium och forma den – och oss – på ett sätt som gör alla dessa bekymmer om innebörden av fotografi verkar nästan irrelevant. Och, på ett annat sätt – mot bakgrund av falska nyheter, alternativa fakta, och artificiell intelligens – mer relevant än någonsin.