I vår bilde-drevet sosiale medier tiden, noen fotografer frykt for fremtiden av den art, mens andre er galvaniserte av det. Som teknologien mer og mer former hvordan vi ser og dele verden, hvordan er fotografering endring i respons?

Søn 14 Okt 2018 10.00 BST

From the Instagram feeds of simonewhitemusic , solitudeofravens, photosobscura , spacesarchives, billyparrott and activistnyc.

I 2012, og jeg skrev et essay om den skiftende naturen of photography i en tid med enestående bilde overbelastning. Tilbake da, Facebook-brukere alene var opplasting 300m bilder en dag, mens antall bilder lagt ut på Flickr og Instagram hadde overskredet 11bn mark. Jeg siterte den Amerikanske kunstneren og forfatteren Chris Wiley, hvis 2011 artikkel, “Dybde av fokus”, i Frieze magazine, hadde gitt uttrykk for angst av mange utøvere om “en verden grundig mediatised av og glutted med fotografisk bilde og sin digitale doppelganger”.

Wiley er konklusjonen var pessimistisk: “Som et resultat, muligheten til å lage et bilde som kan stake et krav til originalitet eller påvirke har blitt radikalt kalt inn spørsmål. Ironisk nok, det øyeblikket den største fotografiske plentitude har presset fotografering til det punktet av utmattelse.”

Siden da har tallene blitt enda mer ufattelige: 350m bilder en dag lastet opp på Facebook; 95m bilder og videoer delt på Instagram daglig. Samlet antall bilder felles lastet opp på begge plattformer enn nå 290bn, mens det er 188m daglige aktive brukere av Snapchat.

Avreise til side for et øyeblikk bekymringer om fotografiets betydning i sosiale medier alder, vil man kunne argumentere ut fra dette bevis på at det er middels av vår tid, ikke bare å definere vår globalt koblet digital image kultur, men drivende det. Selv for et tiår siden, ingen kunne ha forutsett de seismiske endring som har funnet sted i vårt forhold til – og bruk av – det fotografiske bildet. Tilbake i 2012, engstelse for mange fotografer hadde en tendens til å konvergere rundt autentisiteten: ville digital teknologi undergrave håndverket av analog fotografering og, mer bekymringsfullt, dens sannferdighet? Ville den usynlige hånd av Photoshop gjengi ikke bare behandle, men den såkalte “sannheten” om fotografi, foreldet?

Musician Simone White’s still life photographs as seen on her Instagram feed, @simonewhitemusic.

Ankomsten av smartphone kamera gjort alle de bekymringer synes foreldet. Det utløste et nytt bilde kultur i hvilke bilder har antatt en frisk betydning i vår digitalt mediert verden, spesielt for deling av bilder på plattformer som Instagram, der de er målt i likes, kommentarer og repostings, alle overvåket av algoritmer. Fotografering reflekterer, poster og annonserer våre liv online. Er det, men utmattende i seg selv gjennom sin svært allestedsnærvær, miste sin mening i en alder av nesten ufattelig bilde overbelastning?

Den overfladiske bevis som skulle tilsi noe annet. I løpet av de siste ti årene eller så har det vært en tilhørende økning i interessen for hva du kan kalle tradisjonell fotografering kultur. Selv om Britisk kunst institusjoner var pinlig sent i å anerkjenne viktigheten av fotografering curation – Tate utnevnt sin første fotografering kurator i 2009, nesten 70 år etter Museum of Modern Art i New York gjorde det – gallerier er nå endelig i henhold medium den plass den fortjener som en form for kunst. Den nye fotografering fløyen av Victoria og Albert museum har nettopp åpnet, og neste vår, den svenske organisasjonen Fotografiska vil åpne en 8,300 sq meter (89,000 sq ft) plass i Whitechapel og annet stort galleri i New York, både dedikert til moderne fotografering.

I de siste årene, fotografering festivaler og messer har dukket opp over hele verden, utfordrende kommersielle grandstanding av store etablerte arrangementer som Paris Photo og den årlige Rencontres d’Arles. I September alene, Usett Amsterdam og BredaPhoto ble holdt i Nederland, Bilder Vevey i Sveits, Orgel Vida i Kroatia, og nærmere hjemme, Guernsey photography festival og Brighton bilde av biennalen. Det er mer fotografering festivaler i løpet av en måned enn det pleide å være i et år.

De siste tiårene har også sett fotoboken dukke opp som kanskje den mest pulserende dommer for fotografering kultur. Lite, uavhengig fotobok utgivere seg, pop-up-arrangementer rundt indie photobooks og zines tegne en ung og informert publikum. Offprint, fotografering publisering rettferdig, tiltrekker seg store, hovedsakelig yngre publikum årlig til sin bok markeder i Paris og London. Flyr i ansiktet av den ustoppelige strøm av digitale bilder på nettet, tradisjonell fotografering kultur ressurser og proliferates, med både boken og fotoarkiv – materielle ting som kan håndteres, bladde over, samlet, byttet – forutsatt en økt betydning.

An image from Billy Parrott’s Instagram feed of found photographs.

Hva, om du vil, av fotografering seg selv? Møtt med en enestående flyt av digitale bilder, en må spørre seg om den tradisjonelle status for fotografering som en måte å dokumentere at verden har blitt endret ugjenkallelig. Kvar dokumentar i post-sannheten tid? Eller portrettfotografering i en tid da selfie har redusert den tradisjonelle ideen om self-portrait til en uformell narsissistisk refleks (282m selfies ble lagt ut på Instagram i 2016)? Og hvilken rolle har reportasje nå spille i en alder da smarttelefonen har gjort oss alle potensielle statsborger (foto)journalister?

Det siste spørsmålet er særlig betydningsfulle når du vurdere følgende hendelse og dens umiddelbare kjølvann: 20. juni 2009, 26-år gamle Neda Agha-Soltan ble skutt av en pro-regjeringen snikskytter i nærheten av åstedet i en protest mot den Iranske regjeringen. Den Iranske staten hadde erklært protest ulovlig og sperret utenlandske medier fra å dekke over det. Men bildet av Agha-Soltan er blod-stripete ansikt da hun lå for døden, ble tatt på mobiltelefoner for de rundt henne, og i løpet av minutter, gikk viral. I løpet av få timer opptak av hennes død postet anonymt på YouTube er sett av den Amerikanske presidenten. I en verden hvor vi er alle i stand til å oppfylle rollen som bærer vitnesbyrd om at en gang falt til fotojournalister hvordan kan tradisjonelle reportasje konkurrere?

Den angsten som Wiley identifisert konvergere rundt, ikke bare status, men betydningen av fotografiet i en digital verden drukner i bilder. Som jeg bemerket i 2012, men “Ingen mengden av kameraet teknologi vil gjøre en middelmådig fotograf i en stor en, nor, i begrepsmessig form, vil det transformere en dårlig idé til en god en. For at, du vil fortsatt trenger å ha en sjelden sett av kreative gaver som er å gjøre med å se, med dype ute.” Jeg lurer på nå er om det fortsatt er tilfelle. Kanskje vårt forhold til det fotografiske ut – så lenge standard of excellence og artisteri – er i endring i en verden der så mange bilder flyte unmoored fra sin sammenheng.

Som for å illustrere dette, er en av de mest fremtredende deler av arbeidet jeg så i fjor var en installasjon av den Indiske fotograf Sohrab Hura, Mistet Hodet og Fugl, vist på en sped-up-projisering i et mørkt, semi-falleferdige plassen i Peckham. Det var en dramatisk sammenslåing av ekte og muligens oppdiktet, en strøm av detaljrike bilder av livet på marginer i India som hadde en nesten hallusinatoriske intensitet. Her er alle lei tropes av street photography ble upended inn i en visuell strøm av nesten subliminal bilder som den ristes viewer – den tradisjonelle, formatert og fornyet.

I kontrast, en annen bemerkelsesverdig serie jeg først så fjor ble Ex Voto av den engelske fotografen Alys Tomlinson, som består av svart og hvitt portretter og landskap av moderne pilegrimer og hellige steder i Frankrike, Polen og Irland. (Det har siden vunnet Tomlinson den 2018 Sony world photography award.) Ved hjelp av film, hennes arbeid trekker på den strenge portretter av August Sander og den menneskelige annerledeshet fanget av Diane Arbus. I sin fortsatt, spartansk stil, det er den perfekte blandingen av form og motiv, noe som bekrefter en tradisjon for håndverk og oppmerksomhet.

Extract from a rare, mostly Japanese photobook collection at solitudeofravens.

I økende grad, skjønt, contemporary photography er alt om, for å låne et begrep elskede av akademikere og kuratorer, “avhør medium”, som betyr ofte skifter det bort fra dokumentar mot andre, mer konseptuelt drevet kunst – abstrakt maleri, skulptur, performance, video installasjon. For dette formål, yngre fotografer som Daisuke Yokota og Maya Rochat, begge inkludert i Tate Modern ‘ s siste utstilling, i Form av Lys: 100 År med Fotografering og Abstrakt Kunst, gjøre arbeid som er, på et nivå, et dynamisk refleksjon av dilemmaet for den moderne fotografen i en alder av bildet overbelastning. Yokota, for eksempel, har behandlet bilder med varme og strykejern pulver, og utsatt for andre å konstant rephotographing, som starter en ny skanning og ettertrykk. Resultatene er nærmere abstraksjon og gjøre ideen om fotografiet som et medium som bare poster verden rundt oss synes positivt sjarmerende.

Et blikk på rekke prosesser som understøtter contemporary photography praksis vitner til det faktum at mediet er nå performance, skulptur, abstraksjon, dekonstruksjon og dagbok så mye som det er dokumentar. Ingenting av dette er helt nytt.

Det er verdt å huske på, også, at selv om vår moderne image kultur er uten presedens i form av sin skala og dens endeløse strømmen, det var en annen tid når teknologi utløste en bølge i dagligtalen bilde-making. Tilbake i begynnelsen av 1960-tallet, fremskritt i analoge fotografiske teknologi brakt nesten-instant fotografi i hendene på millioner av amatør American snappers gjennom Polaroid kamera. I 1960, salg hadde nådd 100 meter i året. Av 1964, 5m Polaroid-kameraene hadde blitt produsert. Spredning av Polaroid bilder som er merket den første bølgen av demokratiske fotografering, men det gjorde det ikke, så vidt jeg vet, indusere kollektiv angst i et transformativt generasjon fotografer – inkludert Arbus og Garry Winogrand – som var coming of age tilbake da.

Hva Polaroid gjorde, skjønt, var informere bilde-for å lage et påfølgende generasjon, som understøtter den snapshot estetisk både Stephen Shore og William Eggleston, der det tilsynelatende hverdagslige og uformelle var faktisk formelt grundig og dypt observert. Andy Warhol, også instinktivt forsto den demokratiske kraft av Polaroid, som hans fotografiske portretter attest. For ham, middels Polaroider av hans kjendis venner eller seg selv – var veldig mye meldingen, ikke bare heve og feire den vidunderlige banaliteter av hverdagen-Amerika i alle dens overfladiske glamour, men å vise det. Kanskje det er verdt å se på smartphone kamera – og sosiale medier – på denne måten: hvordan vil de påvirke en generasjon av bilde-beslutningstakere til å komme?

Vinnere av Photobox Instagram Photography Awards – i bilder

Les mer

Selv om enkelte innflytelsesrike fotografer som Eggleston og Land hadde alltid insisterte på i hovedsak demokratiske natur i sin tilnærming, smartphone kamera har allerede gjort fotografering demokratisk på en måte som ingen kunne ha forutsett. Det plassert kompakt, ultra hi-tech, relativt billige bildet-noe som gjør maskiner i hendene på de mange, ikke for de få. Hva de gjorde med det har allerede revolusjonert ikke bare måten vi bruker fotografering, men slik vi ser – og dele – verden rundt oss.

Land er nå en talsmann og ivrig bruker av Instagram, som han har beskrevet som “en ny måte av distribusjons-og en ny måte å kommunisere på [som] åpner muligheter som ikke eksisterte før”. Hans Instagram-bildene ble tatt i en retrospektiv han hadde på MoMA i 2017. Som mange fotografer og kunstnere, han nyter det han kaller den “leken” arten av Instagram innlegg – “den slags lekenhet som jeg likte i [fotobok form], at jeg kunne prøve en idé for en dag, og utforske det”. For ham, fortalte han Tate i 2015, Instagram er også en plattform som “feirer bilder som er diaristic, som er kort blikk, som er visuelle jottings, som er one-liners. Det aksepterer kompleksitet, men ikke krever det.” Instagram passer Shore ‘ s tilnærming, observasjon og dokumentasjon av hverdagen-Amerika, mens “samfunnet” han finner det virker i harmoni med sin visjon: “jeg finner det svært tilfredsstillende at de er en gruppe mennesker som ser på hverandres arbeid hver dag, og de er over hele verden.”

Den diaristic arten av Instagram synes avgjørende her, slik at fotografen til å prøve ut ideer, dokument i arbeid eller bare varsle folk til det de er opp til i form av boken publisering, utstillinger eller foredrag. Interessant, selv om den yngre Amerikansk dokumentar fotograf Alec Soth er mindre begeistret for å bruke Instagram som en plattform for sitt arbeid. “Når Instagram begynte, var jeg i motsetning til å bruke det, sier han. “Jeg var en fan av Tumblr – jeg fant det mer fleksible og åpne og mindre utsatt for å ‘like’ trang av Instagram. Jeg også likte filtre som i begynnelsen, var den store trekningen til plattformen.”

Det var først etter at en av hans assistenter foreslått Instagram kan være nyttig for å fremme sin indie-book publishing company, Liten Brun Sopp, som Soth bestemte seg for å gi den en gå. “I det øyeblikket jeg begynte å bruke Instagram, jeg ble hekta, sier han. Han hadde falt byttedyr til som “du” liker “trang”. “Til slutt,” sier han, “jeg bare bukket under for strømmen som alle andre [og] jeg har mistet så mye interesse i plattformen i det siste.”

Soth innrømmer at Instagram kan være et kreativt verktøy – “et sted for meg å eksperimentere med et publikum” – men frykter at “mye av tiden er det ikke mye mer enn en branding verktøy”. Han er mistenkelig, også av dens effekt på vår kjennskap til eller forståelse av fotografi. “Jeg tror ikke jeg noen gang har vært flyttet på den måten jeg har med et flott kunstverk, film eller roman. I stedet, plattform gir meg litt pellets av glede. Jeg antar det er hva jeg misliker om det også – vanedannende kvaliteten på disse pellets sjelden tilfredsstiller.”

For alt dette, har jeg funnet Instagram for å være en grobunn for oppdagelsen. Blant mine favoritt feeds er Simone Hvit (@simonewhitemusic) som skaper vakre stilleben i naturlig lys, på folkemunne fotografering samling av Billy Parrott (@billyparrott), ekstraordinære Japansk fotobok samling @solitudeofravens, og @spacearchives, en mate om kunst i offentlige rom-miljøer.

Blant de mer etablerte artister, Cindy Sherman er, kanskje ikke overraskende, en banebrytende, ved hjelp av Instagram briljant som en forlengelse av sin praksis.

Joan Didion gang erklært: “Vi forteller oss historier for å leve.” Instagram er også, selvfølgelig, en måte å fortelle historier – eller lage fortelling – om oss selv. For sent, contemporary photography har blitt et kraftsenter for visuell historiefortelling av en ofte stiliserte, metaforisk eller semi-fiktiv karakter.

I 2014, Argentinsk kunstner Amalia Ulman opprettet en Instagram-feed som et kunstverk i seg selv, å skape en fiktiv person som Los Angeles “it girl”, og lever det ut for tre måneder av å posere for selfies i trendy restauranter, designerbutikker, internasjonale flyplasser og luksus lobbyer hotellet. Etter å ha identifisert tre sosiale medier arketyper av privilegert femininitet – “søt jente”, “sugar babe” og “livet gudinne” – hun fotografert seg selv i undertøy, på pole-dancing klasser, og ut og spise med en liten, søt designer hund på fanget hennes. Ulman prosjekt uunngåelig utløste en bølge av online sinne og raseri når hun avslørte at hun var en kunstner. Hennes arbeid var ikke bare en kritikk av sosiale medier arketyper av glamour og suksess, men en utforskning av hvordan enkelt “tilhengere” kan bli trollbundet og manipulert av det samme. På sitt hjerte, også, var det en kompleks dynamikk: hvordan fotografiet kan ligge å utsette en dypere sannhet.

Det følgende året, livet uunngåelig imiterte art, når media rapporterte at Instagram-stjerners Essena O ‘ Neill, en Australsk tenåring med en halv million følgere, hadde slettet sin konto. Hun beskrev det som “en klar perfeksjon gjort for å få oppmerksomhet”. Hun pekte utgjøres selfies som hjalp henne å gjøre en inntekt fra markedsføring av produkter til sine tilhengere, og snakket om den altomfattende karakter av et liv som ble levd på – og i thrall – til sosiale medier. Hennes utgjøres selfies – så arrangert som synes åpenbart performative – likevel trollbundet sine tilhengere til det punktet hvor selv den mest åpenbare produktplassering syntes usynlig, eller bare akseptabelt. Igjen, hun, som Ulman, ble stemplet av de hun tilsynelatende hadde forrådt. Kraften av fotografiet som et verktøy for fantasi og/eller masse vrangforestilling er ikke ny – reklamebransjen var bygget på det – men nå virker så kraftig og så utbredt som å være forstyrrende.

Neste måned, Photographers’ Gallery i London vert for en utstilling med tittelen, Alt jeg Vet er Hva som Er på Internett. Det vil funksjonen “moderne kunstnere som søker å kartlegge, synliggjøre og stille spørsmål ved den kulturelle dynamikken i det 21. århundre fotografi” i sosiale medier alder. For dette formål, vil det “avhøre” ikke bare rollen og direktoratet for fotografen i denne nye sammenhengen, men “fotografiets kulturell verdi… i en tid da grensene mellom sannhet og fiksjon, maskin og menneske blir i økende grad stilt spørsmål”.

Det vil omfatte arbeid med intriguingly navngitt Konstant Dullaart, som 2014-prosjektet, Høy Oppbevaring, Treg Levering, målrettet hva han kalte “den moderne oppmerksomhet økonomi” på Instagram, Facebook og Twitter, “deling mekanismer” som – likes, retweets, følgere, venner – stimulere til “en forståelse system basert på popularitet over kvalitet, og sosiale ferdigheter over talent”.

Få bilde: Instagram kontoer som legger ut samme bilde hver dag

Les mer

Dullaart arbeid dreier seg om hva han kaller “aktivering av samfunnet”. I alt dette, Wiley er angst om opprettelsen av et nytt fotografi “som kan stake et krav til originalitet eller påvirke” er fortsatt resonant. Men det er også gnister en ledsager spørsmål, som ikke er så mye hva sosiale medier gjør med fotografering, men hva et bilde-drevet sosiale medier kultur gjør med oss? Hvor er vår handlefrihet i en verden som er så dominert og drevet av digital teknologi, slik som styres av globale selskaper og usynlig algoritmer?

Ett svar er at det er bare å forberede oss til neste seismiske skift i teknologi: kunstig intelligens. Selv om du kanskje ikke har lagt merke til det, AI er allerede allestedsnærværende, ingen mer så enn i fotografering-teknologi. Som Wired magazine rapporterte nylig, den nyeste Apple-telefoner “kommer med ny chip-teknologi [at]… gjør det nye enheter å tilby slicker kamera og utvidet virkelighet”. Det er den siste fasen, i all sin sci-fi-techno-tale, som signaliserer fremtiden for smartphone kamera-teknologi.

I februar i år, har forskere fra Alfabetet Inc DeepMind divisjon gitt ut miniatyrbilder fra en rekke dagligdagse emner: en hund, en sommerfugl, en hamburger og havutsikt. Alle var AI-genererte bilder som er produsert fra bunnen av en algoritme kalt BiGAN. Alle ser bestemt ut som ekte bilder. Raskere enn vi tror, vil det være umulig for det menneskelige øyet å fortelle forskjellen mellom en AI-generert bilde og en ekte fotografi. Fremtiden er allerede her, og fotografering er det medium forme det – og oss – på måter som gjør alle disse bekymringer om betydningen av fotografering synes nesten irrelevant. Og, på en annen måte – mot et bakteppe av falske nyheter, alternativ fakta, og kunstig intelligens – som er mer relevant enn noensinne.

Hva blir det neste for fotografering i en alder av Instagram?

Vinnere av Photobox Instagram Photography Awards – i bilder

Få bilde: Instagram kontoer som legger ut samme bilde hver dag